Para comenzar a hablar del orden debemos saber que es.
Orden: colocación de las cosas en el lugar que les corresponde. Concierto, buena disposición de las cosas entre sí. Regla o modo que se observa para hacer las cosas.
Al tratar este tema hago referencia al libro tratado en clase : El sentido del orden, que concierne a Gombrich uno de los historiadores del arte más importantes.
En este libro el autor escribe sobre el papel de la decoración en la vida cotidiana. Un estudio de la tendencia de los seres humanos a buscar el sentido del orden y del ritmo en el espacio y en el tiempo. Esta tendencia abarca desde juegos infantiles hasta la poesía, la danza, la arquitectura, las bellas artes... Este impulso, Gombrich, lo sitúa en una herencia biológica de los humanos.
Hoy hemos tratado el tema de la pintura, un tema en el que han salido nombres como Botticelli, Miró, El Greco, Miguel Ángel, Murillo...
En relación a este último pintor dedico este post y más concretamente a su cuadro El buen pastor.
Para poder hablar de este cuadro debemos comentar algo sobre su autor Bartolomé Esteban Murillo ( 1617-1682). Este es un pintor barroco español formado en un naturalismo tardío evolucionando hacia un barroco que anticipaba el Rococó como se aprecia en el cuadro a tratar, El buen pastor.
Murillo es la personalidad central de la escuela de su lugar de origen, Sevilla, llegando su influencia hasta el s.XVIII. Además fue él más conocido y apreciado fuera de España.
La mayoría de sus cuadros, debido a su clientela eclesiástica, son religiosos aunque Murillo practicó de forma independiente la pintura de género. En esta se representa a personas normales en escenas cotidianas, en escenarios comunes de la época.
Centrándonos en el cuadro, es un óleo sobre lienzo que se puede encontrar en el Museo del Prado en Madrid. Hasta llegar a este lugar pasó por las manos del presidente y cardenal del Consejo de Castilla, por la reina Isabel de Farnesio, fue agrandado para ser expuesto en el Palacio de la Granja de San Ildefonso y por último el Palacio de Aranjuez.
De este tema del Buen Pastor se conocen tres versiones:
La del Museo del Prado, la más antigua de 1660 donde se encuentra el niño con una mano en la oveja extraviada y mirando al presente con un aire de tristeza tras un paisaje de ruinas clásicas.
En Londres se puede ver la imagen de Jesús conduciendo al rebaño dirigiéndose hacia el cielo en lugar de al espectador
La última se encuentra en Fráncfort, Alemania, con una mayor soltura y colores más suaves.
Hacia el tiempo en el que este cuadro fue creado, Murillo ya era un pintor reconocido y se pueden encontrar efectos de luz que iluminan al niño que representa a Jesús y a su oveja descarriada. Las líneas de composición de este se ven rotas por la diagonal del bastón y de su pierna izquierda que es la que se ve estirada rompiendo con ello el simetrismo y reforzando el efecto cuadriculado del resto.
Centrándonos en el fondo se pueden ver una arquitectura clásica en ruinas con sus características líneas rectas mientras el resto del fondo, el rebaño, se encuentra desvanecido y entremezclado con las nubes.
Con todo lo dicho anteriormente se puede decir que el cuadro pertenece a la serie temática infantil de carácter religioso. Es una obra de carácter sencillo, con una plástica plana y accesible al pueblo y muy popularizada
Tema iconográfico
La imagen del Buen Pastor ya había sido utilizado como la representación de Cristo que salva, cuida y guía a su rebaño en tiempos paleocristianos e incluso se puede interpretar como una alusión a la eucaristía. El tema empleado por el pintor se inspira en la Biblia, más concretamente en el Evangelio de San Juan donde se compara la figura de Jesucristo como el Buen Pastor. En cuanto a la imagen de la oveja descarriada Madrazo opinaba que su proveniencia se encuentra en el Evangelio de San Mateo
Relacionando con la última canción realizada por Stevie Wonder, el protagonista de mi última entrada, dedico este post a Andra Day con la cual este coopera.
Cassandra Monique Batie, Andra Day, es una cantante y compositora estadounidense de música soul, blues, R&B, jazz, música disco y pop nacida en Spokane, Washington el 30 de Diciembre de 1984.
Andra estudió Interpretación Vocal en la Escuela de Artes Creativas y Escéncas de San Diego, California. En 2012 Day junto con Jessie J's publicaron una portada en Youtube, "Mamma Knows Best" que alcanzó el segundo puesto en las listas del sitio web.
Publicó su único álbum el 28 de agosto de 2015: "Cheer To The Fall"(Saludos a la caída) ,cuyo primer single fue "Forever Mine" (Para Siempre), en donde Skipe Lee, director de cine poseedor de un premio Emmy, dirige su primer videoclip después de escucharla en el festival de música de Sundance
En este pasado año, 2015, apareció en la revista Rolling Stone´s como una de las 10 artistas que necesitas conocer.
La empresa NPR ha elogiado que su canto tiene la confianza de Earth Kitt, el agarre de Amy Winehouse, emoción cruda de Billie Holiday's y el rango y sensibilidad pop de Adele.
En este mismo año realizó su sencillo "Rise Up" en ABC's Good Morning America.
En noviembre, como he mencionado en el anterior post, realiza junto a Stevie Wonder en el tema navideño de Apple: "Sameday at Christmas"
Andra Day ha sido nominada en 2016 a:
Premio Grammy a la mejor interpretación vocal de música R&B, femenina por la canción Rise Up.
Premio Grammy al mejor Álbum de R&B.
NAACP Image Award al Mejor Artista Nuevo.
Como mencioné en el post anterior, Stevie Wonder pertenece a los grandes ídolos de la música Motown. Pero, ¿Qué más podemos decir de Stevie ?
Stevie nace en Saginaw, Michigan un 13 de mayo del año 1950. Desde esta fecha , el cantante, productor, compositor y activista, sufre un problema en sus retinas lo que le impiden disfrutar del sentido de la vista. Sin embargo, no deja la música a un lado y con escasa edad comienza a tocar gran variedad de instrumentos destacando el piano, la armónica... Además Stevie se acerca a este mundo a través del coro de la iglesia.
Veinte años más tarde llegaría su época más gloriosa, en la cual, gracias a la abogada Johanan Vigoda consigue un contrato multimillonario en la compañía Motown con una grandiosa libertad creativa. Tras ello el artista, bajo esta nueva política, graba Music of my Mind en donde Stevie se hacía cargo de todos los instrumentos del disco practicando las tareas de producción, composición y arreglista.
En el 73 tras sufrir un accidente de tráfico graba tres discos del año: Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life. Un tiempo muy premiado para Stevie donde fue precursor de un sonido sintetizador y además una fuente de inspiración para aquellos músicos del momento y los posteriores.
Diez años después graba Hotter Than July con un ritmo de reaggae con la canción Master Blaster que ofrece al artista un público más amplio. Además comienza una lucha por el reconocimiento del nacimiento de Martin Luther King buscando con el fin de la festividad en este día. En esta lucha participan artistas como Paul McCartney, Michael Jackson o Barbra Streisand.
En los 80 Stevie realiza la banda sonora de la película The woman in red consiguiendo un Óscar con la canción: Just Called to Say I Love You. Además de este éxito en esta época cuenta con otros como los publicados en los discos: In square circle y Characters. Esta etapa acaba con el inicio del artista en el Rock and Roll.
En los 90 después de realizar la banda sonora de la película Jungle Fever Wonder se aleja de los escenarios dedicándose a actividades benéficas. En esta década recibió tres premios Grammys y tuvo colaboraciones con Luciano Pavarotti o Cristian Castro. También participó en la creación de la banda sonora de la película de Disney: Mulan
En el 2003 la revista Rolling Stone incluye a cuatro discos de este en la lista de los 500 discos más grandes de la historia. La misma revista en el 2008 lo consideró como uno de los diez grandes cantantes de todos los tiempos. En el mismo año Stevie participó en la presentación inaugural del presidente Barack Obama junto a Usher y Shakira
Actualmente el artista comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla.
Una de sus últimas canciones es la realizada con Andra Day este pasado 2015.
Motown Records es una discográfica estadounidense dedicada especialmente a la música negra que fue creada en 1959 por Berry Gordy en Detroit ( la ciudad del motor que le daría nombre). Ha jugado un papel fundamental en la difusión de la música popular estadounidense y ha tenido una repercusión en la mayoría de los estilos actuales.
La década de los 60 fue la cima de esta compañía consiguiendo un sonido propio: Motown Sound, un estilo de música soul caracterizado por: el uso de la pandereta junto a tambores, el bajo como instrumentación y una distintiva estructura melódica y de acordes junto a un estilo de canto "llamada respuesta" originario de la música góspel.
Motown en Detroit
Motown en Detroit
Esta discográfica supuso una revolución más allá de lo musical convirtiéndose en la banda sonora de la lucha por los derechos civiles de los ciudadanos negros y de la segregación social llegando a ser uno de los iconos culturales del renacimiento social africano de los 60.
Sus ritmos llegaron a ocupar los números uno de las listas de éxitos antes ocupadas únicamente por blancos. Este éxito se arremete al funcionamiento de este sello como una cadena de montaje ya que los compositores escribían canciones de forma seriada y los músicos grababan inmediatamente poniendo así su voz e imagen. Este sistema aseguraba que los temas llegara a un amplio público multirracial en el que blancos y negros bailaron al ritmo de esas canciones.
En cuanto a los años 60, que como he mencionado es el momento de mayor esplendor de la discográfica. En 1960 llegó el primer número uno en el Billboard R&B con la canción Shop around, The Miracles. Un año después llegaría a conquistar las listas de la música pop con Please Mr Postman, The Marvelettes.
A lo largo de esta época Motown consiguó 110 hits dentro del top 10, con artistas como Stevie Wonder, Marvin Gaye, Diana Ross & The Supremes, The Temptations, The Jackson 5 etc.
A finales de esta la discográfica comenzó a denominarse The Sound of Young America, es decir, el sonido de la américa joven
A partir de 1967 la compañía empezó a decaer lentamente, aun así la Motown seguirá siendo una de las empresas más importantes de la música en décadas de los 70 y 80.
En cuanto al dossier de artistas en esta década es el más renombrado y completo de la música soul y R&B, componiéndose de la mayoría de estrellas de la música contemporánea de su época y de toda la historia. También ha contado con otros artistas que no han pasado de forma tan afamada, pero que aún son consideradas como leyendas del soul.
El Mouline Rouge, un cabaret parisino del barrio rojo de Pigalle construido durante la Bella Époque por el español Josep Oller era y sigue siendo el símbolo de ideales de belleza, verdad, libertad y del amor. El lugar fue elegido con cuidado. En el barrio de Montmartre se reunían a beber personajes de mala reputación y mujeres de mala vida.
El Molino, se inauguro a la vez que los parisinos inauguraban la Torre Eiffel. Un molino completamente rojo,que poseía un jardín dispuesto para ferias y con un elefante gigante procedente de la Exposición Universal donde se podían ver espectáculos de danza del vientre.
El baile del Moulin Rouge junto al Tolies Bergère es pionero de bailes con mujeres semidesnudas y de los tableux vivants, representaciones de obreas pictóricas preexistentes o inéditas. Fue frecuentado en sus comienzos por gente del pueblo,pero acabó atrayendo a aristócratas que terminaron mezclándose con la clase popular indistintamente. Fue internacionalmente conocido por sus espectáculos y por el Cancán Francés convirtiendose a finales del s.XIX, en un lugar primordial del entretenimiento parisino, un entretenimiento donde destaca la estrella Germaine Aymos que tmbién fue pionera pues actuaba con un traje constituido por tres conchas.
Una de las influencias más importantes que ejerció este molino fue la relacionado con el pintor Toulouse Lautrec que inmortaliza su ambiente a través de sus carteles con la gran vedette la Goulue. El pintor se introdujo profundamente en los suburbios franceses, hasta el punto de llegar a tener todas sus amistades dentro de este mundo llegando a perder las de su mundo originario, el de la aristocracia. Estas amistades le servieron de inspiración:
"Los paisajes no son importantes para la pintura la gente sí, porque la gente es muy importante".
En 2001 la película con el mismo nombre que el molino protagonizada por Nicole Kidman y mcGregor refleja una parodia de este personaje.
Durnte la segunda guerra mundial bajo la ocupación alemana, el molino cerró sus puertas. En 1951, George France adquirió el cabaret y lo reformó volviendo así las veladas bohemias con danzas, las atracciones y las fiestas. En el 55 se instauraron las cenas-espectáculo que fueron muy bien acogidas por el espectador y en el 62 se instaló un acuario gigante donde se realizan los bailes.
Actualmente una velada del Moulin Rouge cuesta como mínimo 87€, se debe vestir de etiqueta y no se permite fumar.
"Pintar es la profesión de un hombre ciego. El pintor no pinta lo que ve, sino lo que siente, lo que se dice a sí mismo sobre lo que ha visto". Picasso
Ataulfo Casado, un madrileña de 67 años que comenzó su carrera artística hace sesenta. Ata participa en una serie de competiciones hasta los 10 años cuando es galardonado con la Medalla de Oro del Concurso de Pintura de la Asociación Belenista.
El madrileño decide comenzar su aprendizaje y entra a formar parte de la Escuela de Artes y Oficios de Madrid donde sus profesores le recomiendan para entrar como aprendiz de Pedro Mozos. Con 14 comienza a implantar clases de dibujo al mismo tiempo que se convierte en el copista más joven de la historia del Museo del Prado. Cinco años después es alumno de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense.
Parecía que el futuro de Ataulfo era prometedor. Sin embargo, un once de febrero su vida cambió. Algo extraño le ocurría a
su vista. Decidió ir al oftalmólogo y afrontar el veredicto: retinosis
pigmentaria, una enfermedad degenerativa.
En un principio el madrileño entendió que la vida seguía y
aprendió a verla de otra manera. Comenzó probando únicamente los tonos negros y
los blancos. Cuando su ceguera avanzó se dirigió al mundo de la escultura y
finalmente abandonó resignándose al camino que la vida había elegido para él.
Así fue hasta más de una década, hasta que como el dice: “Lo
necesitaba. ¿No asegura un dicho popular que con los bueyes que tengas tienes
que arar? Pues eso es lo que hice. Mi primera ayudante fue la señora que venía
a casa a limpiar y cuando tuve varios cuadros le pedí a un amigo que se llamaba
Inocencio que viniera a verlos. Y quería la verdad. Así se lo advertí,
recalcándole que no tuviera miedo a dañar mis sentimientos porque estuviera
ciego. Cuando los vio me pidió que siguiera, que aquello era muy interesante. Y
hasta ahora…”.
Ataulfo a evolucionado su obra cada vez más al estilo abstracto. Estas han sido expuestas de forma nacional ( Madrid -Galería Gaudí y Galería Bética-, Navarra, Murcia...) como internacional ( Portugal, Bélgica, Italia, Miami, Sicilia...)
Ataulfo, un hombre del que todos deberíamos aprender. Aprender a seguir adelante dejando atrás la parte negativa de las cosas, aprender a mirar, sí, a mirar aquello que nos rodea, darnos cuenta de que no todo se ve en "blanco y negro" y lo más importante: aprender que la vida es algo más que un simple tropiezo.
"No puedo hacer un drama de algo que realmente no es dramático. Debo intentar hacer de una montaña que es mi ceguera un grano de arena"Ataulfo Casado.
